10 de diciembre de 2008

Taller de Poesía en Formatos No Convencionales

16, 17, 18 de diciembre. Centro Cultural de España (Ciudad de México). 17-20 hrs. Inscripciones abiertas. Sólo 12 lugares.

16 de noviembre de 2008


Una nueva lectura de Imperio -gracias a los chicos de La Belleza de No Pensar-

3 poemas. Universidad Diego Portales. Santiago de Chile, octubre 2008

III Poquita Fe. Poesía latinoamericana


10 de noviembre de 2008

La Belleza de No Pensar + Poquita Fe + Lectura de Poesía de RC

http://www.youtube.com/watch?v=yt1jGq2YHlA

Lectura de Poesía en la Fundación Neruda (La Chascona), Santiago de Chile, octubre 2008.

Producciones La Belleza de No Pensar
Ignacio Muñoz-Felipe Cussen

http://labellezadenopensar.blogspot.com/

4 de noviembre de 2008

Ediciones Monte Carmelo presenta

Imperio de Rocío Cerón

Presenta: Luis Cortés Bargalló
Música: Bishop /// Video: Nómada

Miércoles 5 de noviembre, 19:00 hrs
SAPS (Sala de Arte Público Siqueiros)
Tres Picos 29, Polanco (Metro Auditorio)

Vino de honor

19 de octubre de 2008

De la serie "Reflexiones sobre el lecho" y del Proyecto Cívico



Gaby Torres, en Tijuana, me preguntó varias cosas sobre los libros de artista y la poesía en soportes no convencionales. Aquí hay una respuesta: esta pieza-libro-cama que realicé hace algunos años para la expo "100 artistas contra el SIDA".
Para mí, el mundo es un gran libro (o una entrevista sobre poesía, imagen y una visión de lo que es un libro):

18 de octubre de 2008

Imperio en Monterrey

Miércoles 22 de Octubre,
20:00 hrs
Imperio de Rocío Cerón

presentan
Óscar David López y Minerva Reynosa



Casa de la Cultura
Av. Colón 400 PTE. entre Escobedo y Emilio Carranza

Monterrey, Nuevo León



"Y un hombre en fuga se afera a cualquier cosa...."

9 de octubre de 2008

Poquita Fe. Tercer Encuentro de Poesía Latinoamerica. Santiago de Chile Octubre 7-12 2008. Toda la programación en: http://poquitafe2008.blogspot.com

29 de septiembre de 2008

Imperio / en Santiago de Chile

Bar Thelonius, Martes 7 de octubre, 20 hrs.
Bombero Núñez 336, Barrio de Bellavista

***

Imperio / en Lima

Centro Cultural de España
Martes 14 de octubre, 17:45
Natalio Sánchez 181, Santa Beatriz
Presentan: Andrea Cabel, Paúl Guillén, Miguel Ildefonso y Luis Fernando Chueca


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Imperio / Empire: Reading of Contemporary Poetry from Latin America

by Rocio Ceron

University of California at San Diego

Literature Department

september 29, 2008

3:00 - 4:30 pm

La contaminación de lenguajes artísticos como estrategia creativa: poesía e interdisciplina (Literatura y artes)

Charla en torno a las búsquedas de los lenguajes híbridos y sus posibles públicos, impartida por Rocío Cerón.

CECUT - Tijuana

Sala de Usos Múltiples, Lunes 29 de septiembre, 19:00:00 hrs

25 de septiembre de 2008

III Encuentro de Poesía Caracol - Tijuana 2008


Poesía:::Música:::Diálogo:::Toquines:::Chelitas:::Amistad:::Rock & Pop:::Poetas dispuestos a celebrar
III Encuentro de Poesía Caracol en Tijuana, septiembre 2008 -organizan Volt, Jaramillo y Blake
Programa de actividades, foros, autores:

19 de septiembre de 2008

Imperio en palabras de Malva Flores

Alguna vez Rocío Cerón me comentó, palabras más palabras menos, que los "poetas de mantel" estaban liquidados. Se refería a los poetas acostumbrados a leer a la manera tradicional, frente a un público -cada vez más exiguo- que asistía al acto como a la representación de una liturgia empolvada. (Todo esto, aclaro, son mis palabras. Es decir, el recuerdo que sus palabras me produjeron). Lo que sí es real y verificable es el trabajo de Rocío, no sólo como promotora de poesía o editora del Billar de Lucrecia ("proyecto para y por la poesía escrita en Latinoamérica por autores nacidos a finales de los sesenta y la década de los setenta", avisa la presentación de su blog). Su trabajo más interesante es, sin duda, la conformación de su propio lenguaje poético.

Como yo nací a inicios de los sesenta, no tengo más remedio que hablar como "poeta de mantel" sobre Imperio, el último libro de Cerón, en el cual leemos: “Un hombre en fuga se aferra a cualquier cosa”. Ese hombre, esa fuga, ese verso, devienen columna vertebral de un poema que nos habla de una patria lejana, construida por los ojos, como quiere su autora, pero también por la voz.

Varias preguntas surgen de inmediato: ¿Quién es ese hombre? ¿a qué cosa se aferra en su huída?, ¿cuál es el imperio? Y, finalmente, ¿por qué ver la poesía como una interrogación? Ya lo dice el epígrafe de Virgilio que anticipa la lectura de este poema largo: Somos arrastrados por los presagios y los presagios, como los oráculos, deben ser descifrados. No otra es la tarea del poeta y su herramienta, la palabra poética, es toda ella, un código cifrado que hunde sus raíces en el espacio movedizo del oráculo, en su capacidad analógica para saber que esto, es también aquello; que la tercera persona es también la primera.

A ese código sin embargo, podemos acceder mediante la revelación que ese mismo entramado del lenguaje produce, siempre y cuando entre el que escribe y el que lee se establezca un hilo sensorial, sonoro, pero también una enramada de sentidos cuya trama no es otra que la historia. La historia de las palabras, la historia cotidiana, pero también la Historia, con mayúsculas. Esa que nos recuerda siempre que somos fundadores y testigos de la guerra, pero también que engrosamos los números de su daño colateral.

Este nuevo, viejo imperio que cada día se construye, se nos hace visible a través de cinco estancias de una misma patria desolada, pues aunque geográfica y culturalmente no sea la misma, es una sola la estancia emocional del dolor y la batalla, sinónimos tal vez para una misma pérdida.Un Imperio, lo sabemos, no se construye sin ellos. Sin embargo, Rocío nos va proporcionando datos precisos, distribuidos en las cinco partes que conforman su reino de palabras, y que el atinado y hermoso texto que le ofrece el poeta chileno Raúl Zurita, nos ayuda a dilucidar mediante el establecimiento de sus coordenadas.

Para leer el texto completo entra en: http://malvaflores.blogspot.com

9 de septiembre de 2008

Imperio en la FILU 2008 - Xalapa, Veracruz

Ediciones Monte Carmelo tiene el gusto de invitarle a la presentación de

Imperio de Rocío Cerón

Presentan: Malva Flores, Víctor Cabrera y la autora

Domingo 14 de septiembre, 12:00 hrs.

Auditorio 1 - Museo del Transporte
Kilómetro 1.5 de la carretera Xalapa-Coatepec
(Cerca de la USBI)
Xalapa, Veracruz.

Sobre Imperio, el poeta chileno Raúl Zurita ha escrito:

"Son los restos de una batalla, el registro de la muerte y del intento de las palabras por registrar los últimos bordes de lo que ya está para siempre fuera del lenguaje. Me ha parecido que Imperio de Rocío Cerón levanta una de esas muestras extremas que hacen del poema un sitio, una patria, donde se reúnen todos aquellos fragmentos dispersos, sílabas, restos que deja el huracán de una violencia inextirpable. "

27 de agosto de 2008

Homenaje a Blackaller


Genio desesperado, matemático irredento, amante de los cafés con leche y adicto a los merengues de Vito Alessio Robles (de la seño del mantelito), analista gráfico de la realidad, pero sobre todo, cómplice y solidario sketcheador de la señorita Lucrecia y de todas y cada una de las portadas de la editorial Ediciones El billar de Lucrecia. Genio. Loco. Fuerza guerrera. Champurrado y chocolate. Chido de a madres. Desde acá, saludos de su fan número 1: Yo.

18 de agosto de 2008

MÓVIL-Concierto Intermedia de Alejandra Hernández


Música - Video - Poesía /// Miércoles 20 de agosto, 19:00 hrs. /// Ex Templo de San Jerónimo (Claustro de Sor Juana) Izazaga 92, Centro Histórico /// Entrada libre.

16 de agosto de 2008

Los conjurados de Alberto Tovalín


Coordinación Nacional de Literatura del INBA, del 24 de agosto al 28 de septiembre, Brasil 37, Centro Histórico de Ciudad de México.

6 de agosto de 2008

Poesía en Acción




MotínPoeta (Carla, Faesler, Rocío Cerón, Mónica Nepote), La Máquina de Teatro, Bishop, Vj Nómada. Museo de la Ciudad de México, Noviembre, 2007.

Próxima poesía en acción

Rocío Cerón, Imperio
Intervención sonora: Bishop
Intervención visual: Vj Nómada

14 de agosto, 19:30 hrs.
Jueves literarios en Casa Refugio Citlaltépetl
Citlaltépetl 25, Col. Condesa


30 de julio de 2008

Sobre "Cosas sin nombre" de Violeta Barrientos

Desde lo nimio, ante los sucesos del día a día –aquellos que suponemos vacuos y no lo son: puntos blancos atados a la miseria, gaviotas-nanas-sirvientas que se ocupan del bienestar y son una gran masa no libre hasta que se quitan el uniforme. Cosas así, cosas sin trascendencia aparente. Cosas sin nombre de Violeta Barrientos es eso, un gran políptico de imágenes con situaciones aparentemente sin título, sin grandilocuencia. Situaciones que no pasarían a la Historia pero que conforman la Historia misma.
El hombre que piensa en la huida, sus múltiples desvíos imaginarios para llegar a ella, los migrantes que llegan a un nuevo país que no será su patria, el puente que ha visto caer cuerpo tras cuerpo, aquellos que no son más que una partida de nacimiento sin destino, sin futuro, una cifra del instituto de población. ¿Quién entonces les da nombre, tierra, rostro? Violeta Barrientos, desde una cierta distancia, los mira, los hace carne del poema, trabajo de imágenes y metáforas.
Barrientos mira más allá de la escena humilde o breve, ausculta en el estado, en la posibilidad. ¿Quién es, qué rostro, por qué? Tras el cuerpo, el gran cuerpo que hace el tosido de los tuberculosos, hay destinos, señas, gestos y vidas que no sólo son cifras. La autora no mira necesariamente un nombre, mira el ejercicio vital del hecho, el hallazgo de lo visto. Lo nimio, ese hecho breve, es, casi siempre, el comienzo de la revolución. La propia Barrientos apunta en su texto, 11 “Instantáneas. / Todo espacio es temporal.”, como también dice, en el texto 14 “Los grandes momentos se reservan y añejan para siglos después”, metáfora del retraso de la justicia. Temporalidad que se resuelve en que uno de esos “convalecientes” de vida, se desajusta las correas, rompe el término medio, lanza un grito y hay eco. El eso de los sin nombre, de los despojados.
Cosas sin nombre es uno de esos libros en que hay un cierto tono donde podría no estar pasando mucho. Personalmente creo que es todo lo contrario, en esa mesura de timbre, en la economía de las frases y las imágenes, se esconde un sismo. En esa “Muerte a secas”, en esa muerte que nadie ataja, en el tiempo que pierde la novia al buscar desesperadamente el más bello y barato vestido, hay un punto, una suerte de tierra sin nombre (no man´s land) donde se gesta la memoria. La punzada del dolor cotidiano es el aviso a los hombres de que siguen en pie, con vida. Dolor no brillante (opaco, tedioso, constante) que marca la historia de cada hombre y de cada mujer. Es justo desde este punto donde nacen las prosas poéticas de este título. La autora atestigua ese dolor, ese instante y de ellos, de esos muchos, que a la vez son tan pocos (las historias de los hombres son tan repetitivas…) quedará esto que nos dice la autora: “Otros volverán sobre sus huellas y así se urdirá una historia a sobresaltos, de cada cinco, uno, de cada uno, algo.”
Rocío Cerón
Julio, 2008, Ciudad de México

17 de julio de 2008

Apuntes para un libro futuro

Vivimos una época de choques, fragmentaciones e hibridaciones. Todo cruce es invención de un mundo. Cruces, contradicciones, simulaciones, apropiaciones y simbiosis son algunas de las prácticas contemporáneas. Conforman el lenguaje de los tiempos que corren. Los soportes son múltiples, abrirse a ellos es una decisión de cada autor. El significado literario anclado en el objeto que se abre a la materialidad de diversos “continentes” o soportes genera un campo de investigaciones artísticas donde palabra/imagen/contenedor expanden los horizontes de la creación poética.

Discursos polivalentes. Multiplicación de niveles de lectura. “Complejas simultaneidades líricas”. Deconstrucción y reestructuración (resemantización) del discurso poético. Articulación entre palabra-tipografía-color-texturas-imágenes-sonidos para crear experiencias multisensoriales. Tensión entre unidad y fragmento, simultaneidad de fuerzas, potencialización de lecturas simultaneas-instantáneas: colisión de lenguajes que disparan significaciones. Poesía abierta a la contaminación de otros lenguajes.

El libro del futuro es un libro que arriesga: la Poesía mata…


R.C. ciudad de México, julio 2008.

5 de junio de 2008

¿Cómo se vive en un faro?

Después de conocerla, y leerla y saber que vive en un faro, no me quedo de otra que preguntárle, qué, cómo, cómo es vivir en un faro, que es donde ella vive. Menchu Gutiérrez, poeta y narradora española, me contestó con esta foto, a cuyo pie derecho se lee: "Hemos dibujado una casa en el mar, hemos abierto una puerta y encendido luces. Vienen de lejos: cada ola es una embarcación."


Detrás de la boca, un libro de Menchu Gutiérrez

por Rocío Cerón

“¿Qué hay debajo de la lengua? (…) Debajo de la lengua hay un presidio”, así comienza y termina el poema "Sublingual", de quien esto escribe. Lengua, saliva, boca, nacimiento articulado del lenguaje. Balbuceo primero. Palabra perdida, arrojada. Lenguaje que libera y es presidio. Misterio que se envuelve entre los dientes, las paredes suaves, la lengua. (Un beso fugaz es el principio del mundo, como aquel principio en el cuadro de Gustave Coubert). Y de pronto recibí Detrás de la boca de Menchu Gutiérrez. Y los alisos vocales llegaron.

Escribir con la boca, sustentar el mundo, o mejor, reescribirlo, definirlo en sus líneas y contornos, edificar en el susurro un imperio, espacio íntimo donde las historias del Libro de la boca (libro dentro del libro de Detrás de la boca), arrojan sal y dulzor, ácido. Se arremolinan los tejidos de historias en una urdimbre donde un prisionero revela y agota las palabras hasta él asumirse silencio. Silencio como posibilidad, cueva del habla donde todas las historias, la memoria y el porvenir encallan.

Una espina atraviesa de extremo a extremo la lengua, la sangre que cae del sacrificio asienta ya un sitio donde los dioses podrán residir. Y si la oración sale desde la boca, es por ésta misma desde donde el hombre se relaciona con el Otro, o con la Otra, debería mejor decir: la Madre y su leche contactan con la boca de un ser que atiende su necesidad básica: alimentarse. Actividad con la que el ser humano comienza a entrelazar el tejido de la vida. Leche, sangre, primeros sabores. Detrás de la boca es en este sentido una historia de vida, de muchas vidas, de ahí su permanente vínculo con otras culturas y otros tiempos que permiten al lector abrir la boca de asombro, en otras callar y otras más, desear nunca haberla abierto.

Desde el aura simbólico de lo líquido, de lo sutil (como remembranza de las aguas amnióticas, de la primera cavidad de pulso) hasta la violencia de la guerra y el encierro del prisionero (debajo de la lengua hay un presidio) Detrás de la boca arroja al lector hacia un espacio de ecos, como el salón de los mil espejos donde todas las historias, como las estancias de este libro, componen una sinfonía. Ritmos bucales, de silabeos, susurros y silencios, de colmillos dorados y dientes ennegrecidos, de arte dentaria y lenguas atravesadas, de libros que uno come para saber la verdad como San Juan, de lenguas que callan y conciencias que se aposentan entre los dientes para guarecerse de lo inevitable. Si el hombre ha hecho historia es porque tiene boca. Boca que apunta y mata, que da vida, recompone o que guarda para sí todos los horrores del teatro del mundo. Boca-teatro. Boca-escenario. Boca- El telón ha caído.

Cuando era niña, al llegar corriendo hacia mi abuela después de jugar, llegaba sofocada y con la boca abierta, entonces ella me decía, “No se te vaya a ir el alma por la boca”. Como si tanto ir y venir de aire, tanta respiración agitada fuera a desembocar en que el alma, en ese momento de agitación, se desprendiera y se saliera del cuerpo por la boca. Extraña creencia. Y sin embargo es una creencia muy primitiva, la boca es el punto de conexión entre los mundos material y espiritual. Una sílaba es el nombre de Dios. Yo llego a Dios por mi aliento, la oración que sale del alma tiene por fuerza que salir por la boca. Y el personaje principal de Detrás de la boca, el prisionero, cierra la boca para no alejarse de una parte divina hasta que estalla en risa.

Se podrá decir que esta es una novela compuesta por fragmentos, se podrá también decir que Detrás de la boca es una sucesión narrativa de hechos, sin embargo su sustrato primero radica en el ejercicio poético. El despliegue de imágenes y la plasticidad de las sensaciones presenta una conexión con el decir poético, el decir puntual y esencial, cito a la autora: “Y es que una boca busca siempre reflejarse en otra boca, como en un espejo.” o “El niño juega con la saliva. Antes de la leche fue la saliva: el líquido amniótico de la lengua, el sabor cero”.

En este libro, contenedor de otro libro, hay una poesía que surge desde la punta de la lengua, como un punto brillante. Justo en ese pequeño contorno del decir, con la puntita con la que se acarician los párpados cerrados del amado, la autora nos ilumina con una boca que calla y que contiene todos esos pedazos de un espejo hecho añicos, que es la historia del hombre, en un libro con un gran secreto detrás de la boca. El secreto que todas las bocas han guardado.

20 de mayo de 2008

Una semilla en el cielo (reescritura o "enchulame el poema" por Héctor Hernández Montecinos)



El primero en mentir estrepitosamente y despojarse de las inmundicias. En este momento todo afecto es una máscara carcomida a la velocidad del vértigo que siente el hombre al caer desde su yo. Construyo a mi prójimo en la raíz de su desastre: es la unión entre lectura y escritura. Describo en este acto una intuición de violencia.


Mi vida es una mente devastada: una nebulosa llena de nudos y fronteras que viaja por el cielo como una semilla. Hay un mundo flotando allí que nadie salvará más que la reconciliación entre la contraluz y las aguas. Todo esto ocurre debajo de la piel de Dios, y entre sus vísceras hay una puerta abierta hacia sí mismo.


Insistir. Nadie crea nada, mañana todo se habrá acabado. Atrás quedará incluso la muerte y ahora sólo queda alzar la vista y el fastidio. Cada una de las heridas supura tinieblas que enceguecen a los que nos miran. Rememorar la ficción, la Fatalidad y la Fascinación.


Después de estas palabras agotadas sólo quedan ecuaciones para arrojar como flechas víctimas de la gravedad. Cuando llegan son sus plumas las que visten al lenguaje que vuela sobre todas las perspectivas del conjunto vacío del arte.


Los ídolos anhelan volver a ser naturales, automáticamente, porque su única actualidad es simulación. El miedo pesa toneladas y es inmediato. Sólo arriba lo oscuro se ve claro y lo opaco transparente: al escribir no hay caída sino suspensión.


Hay algo de ruina en todo esto, en el lazo que une a los alvéolos con las constelaciones, el cual tiene un sonido a jauría en una casa absolutamente abandonada por la rebelión y el pulso. me marchito bajo los árboles imaginarios allá en el cielo. La reescritura es un espejo que se mira ¿un signo desconocida? ¿dos manos?


Reescritura de Apuntes para sobrevivir al aire de Rocío Cerón (México, 1972) por el poeta chileno Héctor Hernández.

16 de mayo de 2008

Sobre la Poesía Visual (texto que me llega de manos de José Manuel Springer, gran amigo y orientador visual)

Me manda este texto que ha encontrado el crítico de arte José Manuel Springer, no conozco al autor (no sé por qué no viene firmado....) y estoy consiguiendo desesperadamente su nombre ya que es un tipo o tipa de primera línea. En cuanto sepa su nombre le daré el crédito correspondiente, mientras tanto les comparto el texto.

P O E S Í A V I S U A L

Durante estos años hemos hablado desde distintos lugares, de Simias de Rodas, los laberintos y cuadrados mágicos de la edad media, el golpe de dados de Mallarmé, los caligramas de Apollinaire, las palabras en libertad de los futuristas, el poema sonoro de Schwitters; y ya llegado el medio siglo, pasado los poemas concretos de los brasileños, el letrismo, los poemas matemáticos de Vigo y todo lo producido con posterioridad en los últimos treinta años; pasada la guerra fría, la revolución cubana, la guerra en Vietnam, el hipismo, la revolución cultural en China, las guerrillas en América Latina, el mayo del 68 y la sangrienta represión en la Argentina con 30 mil desaparecidos hasta llegar a la posmodernidad, la caída del muro de Berlín y el triunfo del neoliberalismo.

Esta ensalada de acontecimientos es una pequeña parte de lo que ocurrió en el mundo, a nivel cultural, social y económico, en los últimos cien años, y la forma de narrar en un todo continuo y en un absoluto desorden está orientado hacia la forma de hacer arte en estos inicios del siglo XXI.

Diríamos, con el sociólogo polaco Zygmunt Bauman, que actualmente vivimos en una modernidad líquida, haciendo referencia a la condición de los líquidos que no pueden mantener su forma a lo largo de mucho tiempo. Este grado de inestabilidad liquida también se corresponde con lo que se está haciendo en el campo artístico y por extensión con la Poesía Visual. Solo basta ver los trabajos expuestos en este 7º Encuentro para saber que se abrió una puerta distinta que permite sumar a las prácticas tradicionales, las herramientas para la exploración e incorporación de nuevos lenguajes y tecnologías en la Poesía Visual en su conjunto.

Hoy, los artistas se apropian de prácticas que en algún momento estaban funcionando en compartimentos separados y que si se las mezclaban era en tímidas experiencias que no resistían la critica de los expertos en cada especialidad.

Lo que podríamos llamar la tercera vanguardia o el arte del tercer milenio se ha desprendido de etiquetas y no responde a ningún ismo y, seguramente, podrá responder además a todos en su conjunto. Tampoco responde a una exigencia tecnológica ya que cualquier artista utiliza lo que le venga a mano sin tener en cuenta ningún canon que lo condicione.

Cruces, contradicciones, hibridaciones, choques, simulaciones, apropiaciones y simbiosis son algunas de las cualidades de esta práctica contemporánea. El video, la fotografía digital, el correo electrónico, las impresiones rápidas, el CD, el ploter y todo lo que vaya apareciendo día a día en el mercado serán las herramientas de la cual se apropiaran los artistas para inventar nuevas formas de ver y mirar la Poesía Visual.

Para los cronistas de la historia de la poesía visual, el poema Un Coup de Dés Jamais N’Abolira le Hasard de Stephan Mallarmé se ha convertido en una referencia obligada. La razón es evidente: en este poema, el autor francés traspone el sintagma lingüístico en imagen, llamando la atención sobre su espacialidad y sobre la materialidad del libro en tanto objeto. Esta anulación del sentido literario en la exposición material de su soporte, la separación de significado y significante, y la relatividad de la palabra como portadora de la significación literaria, inauguran un campo de investigaciones artísticas donde palabra y/o imagen expanden los horizontes de la creación poética.

Sin embargo, para Filippo Tomaso Marinetti, la operación mallarmeana había sido muy limitada. Para el artista italiano, la utilización de la página del libro como espacio de transmutación visual del lenguaje no logra vencer el estatismo de la linealidad de la escritura. Como respuesta, propone una verdadera desestructuración del texto impreso. “Mi revolución se dirige a la llamada armonía tipográfica de la página –declara en su manifiesto Destrucción de la Sintaxis -Imaginación sin Cadenas-Palabras en Libertad– que se oponen al flujo y reflujo, a los saltos y estallidos del estilo que la unifica. De esta manera, en la misma página utilizaremos tres o cuatro colores de tinta, e incluso veinte modelos diferentes de tipografía, si fuera necesario. Por ejemplo: itálica para una serie de sensaciones uniformes o rápidas, negrita para onomatopeyas violentas, y así sucesivamente. Con esta revolución tipográfica y esta variedad multicolor de las letras busco redoblar la fuerza expresiva de las palabras”.

La revolución tipográfica de Marinetti no es exclusivamente una novedad formal. La relación que establece con los aspectos semánticos del texto –no de las palabras– multiplica los niveles de lectura, produciendo un efecto de simultaneidad que expande el texto a zonas a las que no llegan los vocablos que lo pueblan. Marinetti inaugura una verdadera lectura hipermedia, donde el color, la tipografía o la direccionalidad de los textos no suman efectos meramente plásticos sino nuevos canales de información.

Esta voluntad se refuerza en su propuesta de un lirismo multilineal, descripto en el mismo manifiesto, procedimiento que, según el autor, permitiría lograr “complejas simultaneidades líricas”. En sus propias palabras: “En diferentes líneas paralelas, el poeta establecerá diferentes cadenas de color, sonido, olor, ruido, peso, espesor, analogía. Una de esas líneas podría ser, por ejemplo, olfativa; otra musical; otra pictórica. Supongamos que la cadena de sensaciones y analogías pictóricas domina a las otras. En este caso, se imprimirá en una tipografía más importante que las segunda y tercer líneas... la cadena de sensaciones y analogías musicales, menos importante que la cadena de sensaciones y analogías pictóricas (primera línea) pero más importante que las sensaciones y analogías olfativas (tercera línea), se imprimirá en una tipografía más pequeña que la primera y más grande que la tercera”.

Marinetti no plantea aún la desestructuración del texto a partir de su confrontación con otros materiales, como imágenes o recursos gráficos. Sin embargo, posteriormente no sólo dará ese paso, sino que trascenderá la producción literaria imaginando complejos espectáculos multimedia en los que integra la totalidad de los medios de comunicación conocidos en su época, si bien estas propuestas sólo quedan como especulaciones. La particular articulación del texto con las imágenes y los recursos gráficos será señalada por El Lissitzky, en una serie de reflexiones sobre el “libro del futuro”.

Haciendo un breve recorrido histórico, El Lissitzky recoge la revolución tipográfica de Marinetti, en la que reconoce un antecedente de lo que denomina el libro simultáneo. “Marinetti no está reclamando un juego con la forma como forma –afirma– sino que pide más bien que la acción de un nuevo contenido se intensifique con la forma”. Pero para el teórico ruso, el diseño editorial lleva más adelante esa propuesta, al yuxtaponer en una misma página imágenes, textos y diseño gráfico, lo que permite tener acceso a canales de información diversos de manera conjunta. “La lectura enseña a nuestros niños un nuevo lenguaje plástico –aseguraba El Lissitzky– ellos crecen ahora con una relación distinta con el espacio y con el mundo, con la imagen y el color”. En el contexto de un país transformado por la revolución social, el artista ruso vislumbra el carácter liberador, analítico y crítico que tales innovaciones permiten a un público masivo, no ya al burgués al que se dirige Marinetti. En su pensamiento, el libro del futuro es aquel que resalta la lectura plural, múltiple y confrontadora.

En la Alemania de entreguerras, la confluencia de niveles semánticos diversos y de materiales incongruentes se desarrollará fundamentalmente en las prácticas del montaje y el fotomontaje. Estas producciones se distancian radicalmente del collage cubista, iniciado poco tiempo antes. En contraposición con la voluntad unificadora de los fragmentos empleados en la confección de un collage, el montaje pone en evidencia la naturaleza dispar e inconexa de las partes que lo conforman. De esta manera, cada elemento conserva sus propiedades individuales al tiempo que integra la composición.

En la tensión entre unidad y multiplicidad, entre todo y fragmento, se potencian las lecturas simultáneas. La colisión de los ingredientes del montaje disparan las significaciones posibles, debido a la debilidad del conjunto para imponer una visión unificada.

Según Benjamin Buchloh uno de los procesos claves en la construcción semántica del montaje es la alegoría, es decir, la coexistencia en la composición de un sentido literal y otro figurado, en el que una cosa se expresa a través de otra diferente. Esto explica el amplio uso del fotomontaje en la Alemania nazi. Según el propio George Grosz, uno de sus inventores, “el fotomontaje... (nos permitía) decir con imágenes aquello que los censores no nos hubieran permitido decir con palabras”.

El sentido alegórico se encuentra igualmente en la práctica del ready-made, que dota al objeto elegido de un nuevo significado. En este acto, la nueva significación no anula la anterior, sino que se superpone a esta: así, metáfora y literalidad coexisten multiplicando la potencialidad expresiva del objeto.

Esta reivindicación del objeto en la práctica alegórica fue observada por Walter Benjamin en un capítulo de sus reflexiones sobre Baudelaire titulado La Mercancía como Objeto Poético. Según el filósofo alemán, la devaluación de los objetos al estatuto de mercancías, fomentada por su puesta en circulación en el circuito económico, es superada en la alegoría mediante el proceso de resemantización. Buchloh lo explica de la siguiente manera: “La mente alegórica se pone de parte del objeto y protesta contra su devaluación a la categoría de mercancía, resignificándolo por segunda vez mediante una práctica alegórica. Con la escisión del significante y del significado, el alegorista somete el signo a la misma división de funciones a la que ha sido sometido el objeto durante su transformación en mercancía (valor de uso/valor de cambio). La repetición del acto original de desgaste y la nueva atribución de significado redimen al objeto”.

Apropiación y desgaste (resemantización), fragmentación y yuxtaposición dialectal de los fragmentos, separación de significado y significante, son algunos de los procedimientos básicos de la práctica del montaje según Buchloh. Su presencia puede verificarse igualmente en la producción de gran parte de la poesía visual. En ésta, alegoría y metáfora proceden también de la confrontación de materiales y sentidos diversos, convocados a la creación de nuevas lecturas para imágenes, objetos y palabras, muchas veces desgastados por el uso y la circulación. La descripción que Walter Benjamin proporciona en relación al uso baudelaireano de los fragmentos resuena en la práctica del poema visual: “La mente alegórica selecciona arbitrariamente entre el extenso y caótico material que alberga su conocimiento. Intenta unir una pieza con otra para averiguar si pueden combinarse. Este significado con esta imagen, o esta imagen con este significado. El resultado no es nunca predecible, puesto que no hay una mediación orgánica entre los dos”.

No es extraño que el montaje plástico se desarrolle de manera paralela a otra práctica similar: la del montaje cinematográfico. Si bien éste evoluciona rápidamente hacia una restitución de la linealidad narrativa, como consecuencia de la industrialización y masificación de la producción fílmica, no debe olvidarse que las teorías pioneras del montaje cinematográfico lo consideraban un instrumento de producción de sentido similar a la metáfora poética. Sergei Einsenstein fue uno de sus máximos defensores, mediante el desarrollo de lo que denominó el montaje de atracciones: la confrontación dialéctica de dos fragmentos de imágenes que generan una tercera, no contenida en las anteriores.

Es verdad que esta teoría no tuvo demasiada repercusión en la producción cinematográfica comercial, pero el film experimental hizo amplio uso de éste y otros recursos de composición mediante fragmentos. Así lo demuestran películas como Le Retour à la Raison de Man Ray, el Ballet Mécanique de Ferdinand Léger o Entr’acte de René Clair, por sólo mencionar algunas de las más conocidas. La afinidad de estas realizaciones con el poema visual, y particularmente con una de sus versiones actuales, el video-poema, es evidente, como lo son las relaciones entre las teorías que se ocupan del montaje en sus diversas formas, teorías que todavía hoy nos brindan una vía de acceso a la práctica del poema visual contemporáneo.

19 de abril de 2008

Irrupciones poéticas-Segundo Taller de Intervenciones Poéticas Narvarte


:::::Irrupciones Poéticas:::::::
Lectura de poesía-acciones poéticas-intervenciones sonoras-videopoemas-micro abierto a poetas
Towe-Acción graffitera en vivo
Bishop-Atmósferas sonoras
Poesía-Colectivo "Leer es sexy"
Arte Club
Miércoles 30 de abril, 21:30 hrs
Diagonal San Antonio 1810, local A
entre Caleta y Zamora, Narvarte
Entrada gratuita
Actividad realizada con el apoyo del Programa Cultural Comunitario de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México

25 de marzo de 2008

Poesía sonora

Si “la música es todo lo que se escucha con la intención de escuchar música”, no se puede decir otro tanto de la poesía oral que, no gozando del mismo volumen de difusión, no alcanza todavía un eficaz reconocimiento. Sin embargo, dislocando la atención del destinatario hacia el remitente y hacia el mensaje cibernético, se ha dicho que el poeta sonoro connota el producto con las propias tomas de posición estética, con la propia visión del mundo, dispuesto a “robar como un pirata todo aquello que necesita”: oído vigilante y mente alerta.

Todo ello yace oculto en los misterios de la lengua, en las ambiguas sonoridades de la úvula, en los vectores tecnoelectrónicos, en los rumores, en las tonalidades: ocultarse adentro de tal fono-magma, especie de deep-estructure de chomskiana memoria, identificar lo particular y los particulares, emerger nuevamente, llevándolos al nivel de surface structure, y sobreponerlos a la escucha. Ligar el amplificador de las palabras sonoro-poéticas: un divertimiento, una reflexión.

Enzo Minarelli

19 de febrero de 2008

ACTION YES MAG

ACTION YES MAGAZINE
Some poems of Rosa Alcalá and Rocío Cerón translated by Rosá Alcalá...

ACTION STATEMENT
1. Action, Yes is the online arm of Action Books.
2. Hybridity, Entropy, Inflammation.
3. We 're not so interested in tchotchkes from the style-mart.
4. Translation teaches us to read adventurously.
5. It's the sun, not carrots, that makes us see in the dark.
6. The quest for sincerity is like the quest for a perfect lawn.
7. The cult of elegance is xenophobic.
8. The cult of eloquence is eugenic.
9. The bacteria carried by the immigrant will rejuvenate the traumadrome.
10. Knock down all the pipelines and employ border guards as guiders for newcomers.
11. A fine ear is a severed ear.

http://www.actionyes.org

26 de enero de 2008

Poesía al límite

Dos jóvenes combaten en una especie de máscara contra cabellera poético. Uno, con micrófono en mano, hiphopea con un estribillo que repite “Los ilusos, ilusos no saben de palabras, los ilusos, ilusos matan las palabras”, mientras el otro escucha, mueve el cuerpo y, al fin, suelta la voz al callar el otro: “Yo no vengo a leer poemas yo vengo a hacer que la poesía los haga vibrar”, y suelta un poema sobre un amor desafortunado con una chica de una clase social distinta a la de él con un registro de tonos, enunciaciones y movimiento corporal que estruja al oyente. Cada uno va turnándose una y otra vez en una suerte de lucha verbal, rítmica y de presencia donde el ganador será aquel que realmente haya hecho vibrar al público. El publico proclamará al ganador mediante aplausos, gritos, rechifla y hasta mentadas de madre si no gana el favorito. Esto no es otra cosa que un spoken poetry match, una “guerra” donde la voz es el arma y donde la poesía pasa de la dimensión de la página al suceso oral, al acto que combina ritmos verbales, acto escénico y poesía hecha palabra hablada. Y aunque el Spoken Word Poetry es un movimiento que nació en los noventa en Estados Unidos (con sus obvios ancestros desde la antigüedad pasando por bardos y trovadores), en México parece haber tenido un gran boom en el 2007 (y suena a que seguirá). El Spoken Word Movement tiene como influencias las largas tradiciones de los afroamericanos y de los grupos nativos norteamericanos, quienes cuentan con profundas raíces en el arte de la poesía y de la narración orales de las historias, leyendas o mitologías de su pueblo (¿los poetas jóvenes mexicanos estarán recuperando sus raíces mexicas, mayas, zapotecas?)

Dichas performances, lecturas-lucha o poesía en escena han tenido como sedes cafés, bares y pocos, muy pocos espacios institucionales. El más importante ha sido la Casa del Lago que, bajo la dirección de José Luis Paredes (Pacho) y su ciclo Poesía en Voz Alta, han creado un foro en el cual poetas muy jóvenes lo mismo que poetas muy reconocidos (Juan Gelman se presentó en 2007 con un espectáculo de poesía y bandoneón, la misma semana un slam poetry causaba furor entre los escuchas-espectadores) han entrevisto en el encuentro de la poesía con otras artes o de la poesía en otros formatos una distinta manera de acercar a la poesía al público y a los escuchas.
Ya en 2006 en este mismo ciclo los llamados Ositos arrítmicos de Lemuria (dueto sui generis conformado por el poeta Ricardo Pohlenz y el músico Moodifer, ex bajista de Los amantes de Lola) hacían su debut para consolidar su proyecto en 2007 con varias presentaciones con gran éxito en el ciclo de Cabaret creado por el espacio regenteado por Las reinas chulas (antes El hábito). La poesía antisolemne, coloquial y contagiosa (su “Pinche, pinche, pinche Milán” es ya una estrofa coreada por el público) de Pohlenz ha encontrado en los paisajes sonoros de Moodifer una amalgama ideal con tintes neoposmodernos psicodélicos. El dueto planea ya el lanzamiento de su primer Cd y Pohlenz ha creado una colección de camisetas que llevan, a manera de hidden track, un poema en la parte interior de cada una.

El Museo de la Ciudad de México, bajo la nueva dirección de Cristina Faesler, es otro de los espacios institucionales abiertos a estas nuevas manifestaciones poéticas. En noviembre el colectivo MotínPoeta y La Máquina de Teatro presentaron una acción de poesía en escena donde tres voces poéticas distintas (Carla Faesler, Mónica Nepote, Rocío Cerón) con una producción visual y sonora, en un trabajo netamente interdisciplinario, generaban tres actos escénicos ligados como un universo compacto donde los poemas hablaban sobre la guerra, el exilio, la destrucción de la familia como núcleo social (R.C.), el cuerpo interiorizado, el asombro por las atmósferas nebulosas, los mitos prehispánicos contemporaneizados (C.F) hasta llegar a una poesía que levanta la voz para hacer vivir a la nota roja (M.N.). El trabajo del colectivo contaba con el cuidadoso trazo escénico de Juliana Faesler así como la sonorización del músico y productor Bishop. Los visuales, creación del colectivo, generaban junto al paisaje sonoro de los poemas (leídos-escenificados verbalmente por sus autoras) y la música una reflexión en los espectadores sobre un siglo XXI lleno de paradojas, de extremos que se rozan y de una mirada sobre el mismo desde la posibilidad de la poesía. Dentro de la poesía en escena y las diversas formas de delivery de la poesía contemporánea en México, el colectivo MotínPoeta ha puesto en la escena, desde su origen en 2002, a la contaminación entre disciplinas como una estrategia creativa. Así lo puso de manifiesto con dos producciones Urbe Probeta (2003), Cd sobre la ciudad de México que conjunta el trabajo de 14 poetas (entre los que destacan Sergio Valero, Luigi Amara, Enzia Verducchi) junto a productores musicales del colectivo electrónico Konfort, y Personae (2006), un Cd que busca ser una línea de vida a través de la poesía de autores como Gerardo Deníz, Myriam Moscona, Ernesto Lumbreras o José Eugenio Sánchez junto a composiciones de música clásica contemporánea y/o arte sonoro de compositores mexicanos como Alejandra Hernández, Manuel Rocha, Antonio Fernández Ros o Rogelio Sosa.

Poetas jóvenes y con trayectoria como el regio José Eugenio Sánchez (sus lecturas son un performance en donde mezcla poesía, música y danza), Julián Herbert (sus lecturas con el grupo de rock Las Madrastras le otorgan aún más potencia a sus poemas), Daniel Malpica y su grupo de Devrayativa, Óscar de Pablo (ganador de un slam poetry organizado en el bar Red Fly de la colonia Roma), Erick El Niño, Bocafloja, Feli Dávalos (hiphoperos a lo más), o los poetas en lenguas indígenas como Natalia Toledo, Briseida Cuevas, Irma Pineda y Mardonio Carballo, entre muchos otros autores, han comprendido el poder de la voz, de la presencia del poeta en el escenario y han dejado atrás la fórmula ya caduca de leer tras una mesa con paño verde y botellita de agua.

El manejo verbal y escénico de los poetas crean sí un aliento performático donde el autor es sumamente consciente de su presencia escénica y de un manejo oral para seducir al público. Los puristas dirán que hay algo de trampa en esto, que la poesía debe leerse, y pasar la prueba, en la página, en la lectura a solas. Habría que decir que la poesía, la buena poesía, vive tan bien en la página, en su neutralidad silenciosa potenciada por la lectura, como en una lectura vibrante donde el propio autor ha reconocido las aristas, los vigores, las fortalezas y hasta las imperfecciones del poema para hacerlo un artefacto verbal cargado de manifestaciones sensoriales, emotivas, intelectuales. No sólo se trata de acercar de nuevo a un esquivo público hacia la poesía, no sólo se trata de encantarlo con desnudos o facilismos verbales (ilusos son y serán quienes crean que la mera escenificación de la poesía es suficiente), esta generación de poetas mexicanos (que rondan en años de nacimiento entre la mitad de los sesenta, la década de los setenta y principios de los ochenta), más allá de las tardías modas que llegan de Estados Unidos, se han percatado que es tiempo de encarar la realidad desde otro punto, desde otros nortes y coordenadas de lo que la poesía solemne y restirada pretendía que se siguiera ejerciendo.

Los poetas ejercen una escritura de la realidad cotidiana, una escritura que pone de manifiesto no necesariamente los exquisitos recovecos del espíritu o los acantilados del alma sino que habla de mundos alienígenas y narcotráfico (J. E. Sánchez), de mundos donde lo mismo la hidra de Hiroshima se enfrenta en los estudios Churubusco (Eduardo Padilla) que el mundo erótico del gang bang se manifiesta (Óscar David López). En 2007 la poesía mexicana ha tenido el boom de dejar el paño verde para enfrentarse en el escenario a un público que comienza a conectarse con la poesía gracias a estos distintos formatos de entrega: un delivery poético fuerte, con una conciencia escénica, con poetas que han optado por regresar a una ancestral tradición oral como una vía de resistencia ante el embate de la frase “la poesía está muerta”, como una manifestación de acciones reales de supervivencia. Una supervivencia que no sólo será de escrituras poéticas con buenos puños, sino de poetas que dejen de esconderse en lo “poético” para no enfrentarse a la realidad (“temor a la realidad” diría W. Gombrowicz), de una poesía que trasmine el aire de los tiempos que corren y en donde los escuchas-espectadores encuentren algo de sí mismos en el reflejo de esta poesía.

En esta época se ha dicho que la poesía está en crisis, por ello es el mejor momento para reubicarla entre los lectores, escuchas, espectadores. Los poetas que han olido, entrevisto o percibido que la poesía debe vivir de otras maneras han roto con la mesura y medianía de lo que sucede en la mayor parte de las lecturas de poesía en el país (el poeta mexicano es, en su gran mayoría, un mal lector de su propia obra, dicho por sus pares del resto de Latinoamérica).

La poesía, como otras artes, ha visto también en la acción interdisciplinaria una manifestación colectiva que permite al poema vivir en otro soporte que no sea sólo la página impresa. Así el video poema, el libro de artista, el poema objetual comienzan a tener presencia en la escena de la poesía nacional. Uno de los proyectos más propositivos es el de Myriam Moscona, quien ha realizado varias piezas de poesía visual como un mapa de México creado a partir de nombres de poetas mexicanos. A primera vista sólo se observa el delineado del mapa, la pieza incluye una lupa, con ella se ve que cada línea que compone la silueta de la República Mexicana son nombres, lo mismo Ramón López Velarde o Efraín Huerta que Luis Vicente de Aguinaga o Jorge Esquinca. Otro proyecto interesante es el de Minerva Reynosa, joven poeta regia, quien ha creado diez libretas para diez poetas. Cada una es distinta en su manufactura, en las series de poemas y reflexiones sobre la poesía que cada una contiene. Cada libreta ha sido personalizada con una fotografía impresa del o la destinataria al que va dirigido. Éstos han sido enviados a diez poetas quienes tendrán a su vez que intervenir con escritura, fotografías o imagen estas libretas para ser devueltas a la poeta al cabo de un año. En 2008 será inaugurada la primera exposición de videopoemas mexicanos, curada por Mauricio Marcín y quien esto escribe. También en 2008 se presentarán las primeras acciones del colectivo Negrita Cucurumbé Emisiones, un grupo de poetas que ha conjuntado a gastrónomos, artistas, chefs, músicos y hasta tejedoras y jardineros para hacer acciones y objetos de manera colectiva. El colectivo “Leer es sexy” imparte desde enero de 2008, un taller de intervenciones poéticas en la colonia Narvarte donde pretende apoyar a los miembros de la comunidad a crear una memoria sobre su propio barrio a través de acciones poéticas como poesía en acción, poesía portátil e impresos poéticos.

Algunos poetas mexicanos (y la tendencia va a la alta) se han movido de lugar, no sólo han encontrado visibilidad en un escenario logrando hacer vivir, y comunicar, con la poesía, sobre todo, han abierto el panorama de lo que registran sus voces. Un registro que va desde las calles y la coloquialidad hasta una poesía intelectual (más no sobrada y de organza). Estos poetas cuentan con una mirada ávida, no trasnochada ni decimonónica, que mira 360° de la realidad y que hacen de lo insignificante, de lo no “poético”, un logrado poema. Un poema-gancho al hígado. Se habla desde lo nimio (sin ínfulas pretenciosas de ser cool), se registra lo que los mass media bombardean todo el tiempo (noticias que serán reempaquetadas bajo una dosis de ironía y desencanto en un poema), se registra y se clava en el poema lo que sucede real, en tiempo real, en sucesos reales, en piel real.

Algo está sucediendo en la poesía mexicana, algo se ha descolocado para reinventarse, para recolocar las piezas del tablero. Ya no basta sólo escribir buenos versos (que probablemente leerán amigos poetas y familiares, el tío, la madre, quizá algún primo), el poeta ha entendido que su poesía puede, y debe en estos momentos históricos, vivir de múltiples maneras: en la página impresa, en la propia voz, en el videopoema, en el objeto poema, en la transdiciplina. Esto genera un mayor universo de posibles interesados. La poesía está más viva que en muchas décadas anteriores, sólo que este tipo de poesía no está en las Instituciones (aún no han podido deglutir estas manifestaciones y apropiarse de ellas), ni en las casas de cultura, la poesía se encuentra en espacios propicios: bares, cafés y hasta en casas (una nueva forma de hacer lecturas de poesía, si de cualquier forma sólo asisten a las lecturas los 5 ó 10 amigos y parientes porqué no mejor hacerlas en la comodidad del hogar donde hasta se le puede convidar una torta y un vino a los presentes). Parecería que en los días que corren los poetas quieren que el lector-escucha-espectador necesite adictivamente quedarse en el centro del torbellino de la poesía misma. Así sea. Bienvenido un poco de oxígeno a la escena de la poesía mexicana.